Sinfónica de Montreal: un Ministerio de la música

A poco de estar en esta ciudad uno se da cuenta de que la Sinfónica de Montreal, la mayor orquesta de Canadá y una de las mejores de América del Norte, es algo más que una orquesta. Es una especie de Ministerio de la música de la provincia de Quebec, cuya relación con la comunidad excede por mucho lo que suelen ofrecer las orquestas en estas latitudes, incluso también en Europa. Aunque solo un poco más de un tercio de su presupuesto es cubierto por el Estado; el resto proviene casi por partes iguales de sponsors privados y venta de entradas. Un buen equilibrio, sin duda.
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El Festival de verano de la Sinfónica de Montreal, que se concentra en tres o cuatro días de febril actividad, es tan solo una pequeña muestra. Es interesante señalar que la Sinfónica, que realiza unos 150 conciertos por año, destina cuatro programas al público infantil. Aunque muy accesibles, son conciertos pagos, que forman parte de los distintos abonos de la orquesta. Pero además de los niños que asisten solos o con sus padres por medio del abono, cada uno de estos programas recibe un público adicional de siete mil alumnos de distintas escuelas de Quebec.Todo eso lo organiza el Departamento de Educación de la Orquesta, que manejan tres personas. Antes de cada programa se envía a la dirección de la escuela una guía de lo que se va a escuchar, y además un pequeño grupo de músicos de la orquesta se acerca a cada escuela a la manera de una introducción al programa. No se trata solo de obras como Pedro y el Lobo de Prokofiev o El aprendiz de brujo de Dukas, me explica la directora de programación Marianne Perron (que es quien define los contenidos y los detalles de la temporada completa de la Orquesta de acuerdo con los lineamientos de Kent Nagano, el director titular desde 2006 que deja su cargo en 2020); sino de las grandes obras del repertorio clásico e incluso del contemporáneo. “Muchas veces los niños reciben con más placer que los adultos obras de Iannis Xenakis, por ejemplo”, me comenta Perron.Este aceitado y estrecho lazo con la comunidad seguramente sea un rasgo característico de las instituciones culturales de América del Norte, pero es muy probable que se haya acentuado con Kent Nagano.La Sinfónica de Montreal se fundó en 1934. Tuvo sus grandes directores titulares, empezando por Wilfrid Pelletier y siguiendo por Igor Markevitch, Zubin Mehta, Franz-Paul Decker (uno de los más asiduos directores invitados por el Teatro Colón en la década de 1980) y Rafael Fruehbeck de Burgos. Pero el que le imprimió el giro que la llevó al actual status fue sin duda Charles Dutoit. El músico suizo la tomó en 1977 y tres años después estaba firmando contratos de largo plazo con Decca, además de llevar la Orquesta de gira por todas partes del mundo (incluida la Argentina). En 1984 la Sinfónica de Montreal obtuvo el Disco de Platino por la grabación del Bolero de Ravel, que llegó a vender 100 mil copias solo en Canadá.Dutoit la dirigió nada menos que durante 25 años. La dejó en 2002; la Orquesta quedó boyando hasta que Nagano la tomó a su cargo en 2006. Nacido en 1951 en California, nieto de trabajadores agrícolas japoneses emigrados hacia fines del siglo XIX a la Costa Oeste, iniciado en el piano por su madre a partir de los cuatro años, Kent Nagano retomó las más altas exigencias técnicas y además mostró una amplitud de repertorio mucho mayor que cualquiera de los directores anteriores (en 2018 la Sinfónica de Montreal abrió la 98° edición del Festival de Salzburgo con La Pasión según San Lucas de Krzysztof Penderecki). También bajo la gestión de Nagano se dispuso la regla de encargar todos los años cuatro nuevas composiciones a autores canadienses, que obviamente la Orquesta estrena y paga. La visión a futuro de la Sinfónica de Montreal no se limita al tema de la formación de un público y la educación, sino que alcanza además a la creación musical misma.

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Ciro y Los Persas tocaron con el concertista Horacio Lavandera en el Luna Park

“Les quería contar que hace dos años me invitaron a un recital de piano, tocaba Horacio Lavandera. Y quedé absolutamente impactado. Y cuando lo escuchaba soñaba con, de alguna manera, presentarlo a mi público. Es un músico super conocido en Alemania, Francia, Japón, China. De chico escuchaba a Los Piojos. Lo invité a tocar en el Luna”. Con esas palabras, emocionado, Ciro Martínez anticipaba lo que se venía: una gran noche. Un cruce del rock y la música clásica en el Luna Park.

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Horacio Lavandera: el Messi del piano

Este jueves 15, finalmente, Ciro y Los Persas presentaron a Lavandera. Hicieron una versión del Himno Nacional que fue ovacionada.

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El pianista (de 35 años) vive en Madrid y hará dos espectáculos (23 y 24 de agosto) junto a la Orquesta Clásica Argentina, en el Teatro Coliseo. Fue considerado “Un talento de Dios” por la prensa alemana. Y “El Messi del piano”, por la prensa española. Desde temprano el jueves Ciro fue arengando a sus seguidores en redes sociales para que llegaran temprano.Prueba de Sonido en el Luna Park. En un rato arranca Horacio Lavandera. pic.twitter.com/RdEvxCJeW0— Andres Ciro Martinez (@ciroylospersas) August 16, 2019
Horacio tocó, además, Tan Solo, junto a la banda.

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El 23 de agosto Lavandera interpretará el Tercer concierto de Beethoven y el Primer concierto de Chopin en el Coliseo. 

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Las primeras figuras confirmadas que participarán en los MTV Video Music Awards

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La entrega de los MTV Video Music Awards se realizará el 26 agosto en el Prudential Center, de New Jersey. Se confirmaron algunas figuras latinas que se presentarán en vivo durante la ceremonia: Bad Bunny, Camila Cabello y J Balvin. A ellos se sumará la catalana, Rosalía.

Bad Bunny, una de las figuras que cantarán en el MTV Video Music Awards. Foto / archivo

Hasta el momento sólo se sabía que iba a participar Taylor Swift, una de las artistas más nominadas junto a Ariana Grande. Otra confirmada es Missy Elliott.

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Ya se conocen todos los artistas nominados, pero hasta ahora solo se sabía que actuarían en la ceremonia Taylor Swift (la artista más nominada este año a los premios junto a Ariana Grande) y Missy Elliott, a quién le entregarán el Video Vanguard Award.

La cantante Missy Elliott será distinguida con el Video Vanguard Award. Foto/. AFP

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Los artistas confirmados para presentarse en vivo, a su vez, están nominados a los premios y entre ellos se encuentra Rosalía, que anunció su nuevo single Yo x tí Tú x mí, junto a Ozuna, uno de los artistas latinos más exitosos del momento. Ver esta publicación en Instagram 🐻+🌹 YA EN TODAS LAS PLATAFORMAS link en la bio OOOOUT NOW link in bio Una publicación compartida por ROSALÍA (@rosalia.vt) el 15 de Ago de 2019 a las 9:00 PDT
Por último se especula que Rosalía y J Balvin interpreten juntos su éxito Con altura y que Shawn Mendes y Camila Cabello vayan con Señorita. ¿O habrá algún tipo de sorpresa? Para develar el interrogante se deberá esperar un par de lunes.

Camila Cabello y Shawn Mendes. Foto/ Archivo

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Artaud 2019, una versión actual de uno de los mejores discos de Luis Alberto Spinetta

Claramente, no son días en los que las expresiones artísticas estén en primer plano. Elecciones, crisis, suba del dólar y del riesgo país: la acuciante actualidad nos consume y nos condiciona, maneja nuestros estados de ánimo. Sin embargo, sin renegar de ella -o mejor dicho, renegando absolutamente de ella-, es posible salir por un rato de la actualidad para adentrarse en los caminos más placenteros que propone el arte, en este caso, la música.Por dar un ejemplo, el lunes pasado, mientras el resultado de las PASO acaparaba la atención de nuestros lectores, en clarín.com publicamos un especial sobre Only Love Can Sustain, el disco de Spinetta que odiaba el propio Spinetta. La nota, escrita con rigor y pasión por Hernán Firpo, contaba la historia del álbum cantado en inglés que El Flaco grabó -a instancias de Guillermo Vilas- en Nueva York y Los Ángeles, con una enorme producción, pero que al artista argentino no dejó para nada conforme, jamás lo presentó en vivo y rara vez tocó alguno de los temas que él compuso y allí figuraban. En nuestros registros, ese artículo tenía un minuto y medio de permanencia por parte de los lectores, una muy buena cifra para notas publicadas en la web. El país ardía, pero la música también importaba.

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El disco de Spinetta que odiaba el propio Spinetta: Only Love Can Sustain

Por eso, hoy elijo volver sobre Luis Alberto Spinetta, uno de nuestros músicos populares más valorados y queridos. Y lo hago a través de una novedad: la reversión completa de uno de sus discos más reconocidos, Artaud, hecha por músicos jóvenes y no tanto y no muy populares, pero de una altísima calidad artística.

“Artaud”, el original de 1973 fue diseñado por el artista Juan Gatti. Era irregular y no entraba en ninguna batea.

Antes, un poco de historia. Artaud -obviamente inspirado en el poeta y dramaturgo francés Antonin Artaud- es un disco que salió en 1973, firmado por Pescado Rabioso, pero que a ciencia cierta, y con la banda ya separada, era un solista de Spinetta. Desde el vamos, el álbum se proponía salir de las normas establecidas: su tapa era irregular y no entraba en ninguna batea, difícil de alinear. En su interior, contenía gemas como Todas las hojas son del viento (una canción en la que le hablaba a una futura madre y le decía que a su hijo lo cuidara de drogas y no lo reprimiera, además de pedirle con total claridad que le diera “tibia leche de su cuerpo”); el blues Cementerio Club; la breve Por, compuesta a manera de “cadáver exquisito” (ese modo que tenían los surrealistas de poner distintas palabras en un sombrero e irlas sacando de a una para presentarlas como poesía); y la exquisita Cantata de puentes amarillos, con su definición manifiesto, coherente con toda la carrera de Spinetta: “Aunque me fuercen, yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor, mañana es mejor”.

Luis Alberto Spinetta. Un genio que trascendió las fronteras del universo musical y poético. Foto: Archivo Clarín

Ahora, Artaud: homenaje a un gran disco es un álbum que replica el verde del original, trae las nueve canciones en el mismo orden y está encarado por los músicos participantes con total respeto por la obra de Luis. Editado en junio de 2019, los temas suenan con los niveles de audio que se requieren hoy y las versiones van desde las muy similares a las de 1973 a otras más rupturistas, pero todas tienen lo suyo y valen por sí mismas.Editado en formato físico (es decir, como cd) por RGS y con producción ejecutiva de Andrés Galante, uno de los dueños del sello, Artaud: un homenaje a un gran disco es más una patriada que una apuesta comercial. Eso también conmueve (el también incluye a las canciones, claro).

“Artaud: homenajea un gran disco”, en cd, tiene la estética de un álbum de vinilo.

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Los artistas que participan son Abril Cantilo (Todas las hojas son del viento), Lucas Docco (Cementerio Club), Ernesto Algranati (Por), Pol Nada (Superchería), Laura Crespi (La sed verdadera), Juan Manuel Alonso (Cantata de puentes amarillos), Juan Tarsia (Bajan), Lisandro Etala (A Starosta, el idiota) y Florencia Finkel (Las habladurías del mundo). Como dije, todas las versiones tienen su propio valor, aunque quisiera destacar las de Cantilo, Docco, Alonso y Tarsia (en Bajan, arranca con el audio del riff original de Spinetta y luego lo lleva a otro lugar).Las elecciones nacionales serán en octubre. No creo que haya un disco como este todas las semanas, por lo que les recomiendo hacer el esfuerzo de buscarlo.

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El universo alternativo de Pipi Piazzolla

Un tercer disco que refleja no sólo la madurez del baterista Daniel “Pipi”Piazzolla como compositor, sino también la de su trío para abordar una música compleja que exhibe más que nunca un audaz equilibrio entre composición e improvisación. Algo así como el universo alternativo del fundador de Escalandrum. Los nueve temas que conforman Rata exponen por encima de los aspectos particulares de las composiciones un gusto por los compases irregulares, frases asimétricas, saltos inesperados y una integración instrumental que el tiempo consolidó. Damián Fogiel en saxo tenor y Lucio Balduini en guitarra junto con Piazzolla lograron un trabajo de notable consistencia sonora; el disco posee una evidente modernidad melódica acompañada por una atmósfera serena en su superficie y móvil por debajo.

En su salsa. Daniel “Pipi” Piazzolla, con la batería y los platillos. Foto: Lucía Merle

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Un cuidado trabajo de composición se equilibra con las improvisaciones en las que tanto Fogiel, Balduini como Piazzolla aportan sus diferentes miradas, que tienen como denominador común una vital creatividad. En efecto, el tenor desde su sonido suavemente plateado, por momentos agridulce construyó climas evanescentes como por ejemplo en Aura o Lolo u otros incisivos como en River Plate.El guitarrista aporta no solo atmósferas que construyen el basamento armónico de los temas, también como solista es un innovador de toque sutil con solos que respiran libremente en un contexto aireado y que jamás apuntan hacia lo esperado. En la actualidad, su presencia garantiza que la música será interesante.Pipi Piazzolla es uno de los referentes de la batería en la Argentina; este tercer trabajo muestra su crecimiento como compositor como también su permanente búsqueda de fronteras para el instrumento; en Rata se lo escucha componiendo desde los tambores, los que utiliza como una paleta de pintor desde la que surgen personales e intrincadas combinaciones de colores. Como corresponde a un disco de baterista, hay solos, pero que no distraen de la concepción general del disco.

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Por ejemplo, Steve (dedicado al saxofonista y compositor Steve Coleman), Aura o Monumental tienen un sesgo melódico muy marcado y que utilizan para enhebrar los diferentes solos que tienen un criterio estético y económico común; la idea que parece subyacer en las improvisaciones es una cierta síntesis que produce una saludable interacción en el trío. En River Plate hay un ostinato de guitarra como plataforma desde la que Piazzolla se lanza a improvisar unos pocos compases para dar el marco adecuado para la voz del saxo, que va izándose como una bandera melódica con un entramado potente. Violeta en tren tiene una forma de canción con un balance ágil y con cambios que van generando una tensión que en la guitarra de Balduini alcanza su máxima expresividad. Hay dos clásicos del bop, Naima, de John Coltrane y un personal Evidence, de Thelonius Monk. El primero de estos es levemente más rápido que el original y está en 7×4; el trabajo fuerte lo hace Fogiel con un solo conciso grácilmente estructurado y que representa una declaración estética sobre esta maravillosa balada; en Evidence se mantiene ese gusto por los compases irregulares y el 4×4 original es reemplazado por un 9×8 que no altera su quebradiza melodía; aquí se luce básicamente la guitarra que logra refrescar genuinamente este histórico tema de la era bebop a través de una inspirada y personal improvisación y cerca del final un sintético solo de Piazzolla nos recuerda al genial Ben Riley, histórico baterista de Monk.

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Pipi Piazzolla: “A veces el apellido me cierra puertas”

FichaRataCalificación: Muy buenoDe: Piazzolla Trío, con Damián Fogiel en saxo tenor, Lucio Balduini en guitarra y Daniel Piazzolla en batería. Sello: Club del Disco.WD

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Orquesta Sinfónica de Montreal: rigor y variedad

(Montreal, Enviado Especial). Aunque el viejo festival de jazz no existe más, Montreal parece la capital mundial de los festivales. Ocho años atrás la Sinfónica de Montreal quiso tener también el suyo, y desde entonces todos los veranos lo celebra en tres o cuatro jornadas intensísimas, precedidas por un gran concierto gratuito al aire libre. El concierto inaugural se lleva a cabo en una explanada del Parque Olímpico, el gran estadio inaugurado en 1976, con su célebre torre a 45 grados. De lejos es una monumental torre inclinada, de cerca parece la proa de un barco, por algunos elementos de la parte superior que le dan un aspecto de baranda; la proa de un barco amarrado, por efecto de las tensos cables de acero que conectan la punta de la torre con una de las superficies cubiertas del estadio (acaso la imagen replique metafóricamente la situación de Montreal, una gran isla rodeada por el agua). El conjunto tiene su gracia.La apertura del miércoles 7 de agosto (a las 20) fue con el Requiem de Giuseppe Verdi. El director Kent Nagano, que en esta temporada (2019-2020) termina su relación de catorce años con la Orquesta, impone su sello. Nada de conciertos ligeros, ni oberturas como la 1812 de Chaikovski; un gran concierto gratuito es justamente la posibilidad de ofrecer al público una de las grandes obras del repertorio sinfónico-coral, en este caso una milagrosa fusión de música litúrgica y ópera que acaso encuentre su punto más extraordinario en la súplica de la soprano en el Liberame.

El concierto inaugural reunió a 25 mil personas en el Parque Olímpico de la ciudad, epicentro de los Juegos Olímpicos de 1976. (Antoine Saito).

En el Estadio la Orquesta está resguardada, no así el público. A pesar de que se anunciaba lluvia (de hecho lloviznó casi todo el día excepto afortunadamente durante el transcurso del concierto), fueron más de 25.000 personas a oír a Verdi. Obviamente el concierto fue (bien) amplificado, y además del coro central ubicado detrás de la orquesta se dispusieron otros dos, uno a cada lado del escenario con su respectivo director, creando un poderoso efecto envolvente. A pesar de la amplificación y los volúmenes corales, nada fue de trazo grueso. En el nieto de japoneses Kent Nagano es impensable el trazo grueso (ya por su solo aspecto, delgado como un junco), y los solistas cumplieron admirablemente; especialmente el impecable tenor de Corea del Sur Seungju Mario Bahg, pero también brillaron la voluptuosa mezzo Raehann Bryce-Davis y el sobrio bajo-barítono Ryan Peedo Green, ambos estadounidenses, y a pesar de algunas notas un poco destempladas la soprano canadiense Leslie Ann Bradley dio lo mejor de sí precisamente en el Liberame.

El director Kent Nagano se está despidiendo de la Orqueta tras una gestión de 14 años. (Antoine Saito).

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No todos los programas son tan “serios”. El viernes 9 abrieron los conciertos bajo techo, que se llevan a cabo dentro del mismo complejo Place des Arts, donde tiene su sede la Sinfónica de Montreal con su gran auditorio y todas sus oficinas, la Opera (que no cuenta con orquesta propia) y varias salas de cámara, además de una serie de lugares al paso en los que se desarrollan distintas actividades musicales o didácticas gratuitas.El principal objetivo del Festival es la iniciación, la conquista de un público para la música clásica. Son conciertos breves, sin intervalo, de no más de una hora, que se llevan a cabo simultáneamente en distintas partes del complejo, a precios muy accesibles. El primero, a las 18:30, estuvo a cargo de Nagano, que junto al barítono canadiense Marc Hervieux y las cuerdas de la Sinfónica de Montreal condujo magistralmente Les illuminations de Benjamin Britten, el ciclo entre exaltado y elegíaco que el compositor inglés escribió en 1940 sobre poemas de Rimbaud. Esa primera parte fue contrapesada por una segunda más liviana, comprendida por una selección de las de números de las Suites 1 y 2 de Peer Gynt de Edvard Grieg.Mientras tanto, en otras salas el conjunto el grupo Makusham daba un concierto de música autóctona (indígena) con la cantante Florent Vollant más algunos solistas de la Orquesta; un trío de violín, piano y violonchelo tocaba el Archiduche de Beethoven; y el trombonista Ian Bousfield daba un programa de cámara con Pamela Reimer en piano.Nagano volvió a presentarse con la Orquesta una hora después de haber finalizado su primer programa, esta vez en compañía del gran violinista ruso Vadim Repin, que ofreció una extraordinaria interpretación del Concierto para violín de Max Bruch (nunca se me había representado con tanta claridad el aire mahleriano del bellísimo movimiento lento). A la manera del primer programa, la intensidad de Bruch fue contrapesada con los “pecados de vejez” de Gioachino Rossini: unos extractos de La boutique fantasque, en la transcripción orquestal realizada por Ottorino Respighi. Solo que aquí la obra principal no fue al comienzo sino al cierre. Con buen criterio; después de Bruch esos fragmentos más bien jocosos habrían resultado un anticlímax muy extremo, y todo aquí parece estar muy bien planeado. 

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Gustavo Cerati, orgullo y prejuicio contra un pibe de barrio

Cuando Soda Stereo se separó, allá por 1997, una declaración de Gustavo Adrián Cerati (Barracas, 1959) fue tomada con sorna por el ambiente del rock. “Siempre fuimos una banda de barrio”, fue lo que se dijo y en tiempos donde el rock argentino medía sus credenciales de credibilidad en pertenencia barrial y pintar aldeas a partir del auge del rock chabón, la moda era despegarse del supuesto elitismo del trío más famoso de Latinoamérica, corriéndolo por la izquierda de la pertenencia.

Gustavo Cerati. Digan lo que digan, un chico de barrio. (Foto AFP)

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Aun cuando las bandas del palo vendieran más discos y empezaran a ser tan o más populares tierra adentro, las chicanas corrían. “No todo el mundo puede ser tan lindo como Cerati”, declaraba Gustavo Cordera en 1991 a la revista Cerdos y Peces, para sostener su deliberada apología de lo feo. “¿Tenían sed de rock? Se ve que la Soda no alcanzó”, ironizó Chizzo, líder de La Renga, arriba del mayor escenario de su vida, 107.000 personas en el Autódromo, a propósito del regreso de sus colegas, que había tenido lugar semanas antes de aquella jornada de fines de 2007. Los Redondos, que arribaron a una popularidad inaudita en los ’90, cantaban contra La Gran Bestia Pop y recién con los años el Indio Solari reconocería la obra del Cerati solista, aclarando que nunca le gustó su anterior grupo. “Lo que no me gustaba de Soda es que casi lo que expulsaban era New Musical Express… seguir las modas, eso no me gusta”, declaró el cacique esta misma semana, reduciendo la contienda a un capcioso juego de copia versus original en la matriz creativa de sus respectivos procesos de forma y estilo, amén de las docenas de bandas hoy consideradas clásicas que alumbraba el semanario inglés desde prédica y portadas.En todo caso, tampoco quedaría claro si finalmente llegar tarde a la idea de rock + samplers que Soda comenzó en Rex Mix (1991) y a la que Los Redondos se asomaron recién en Último Bondi a Finisterre (1998) y Momo Sampler (2000) implicaría algún grado de gambeta a los dictados de la moda. Paradojas de la vida, si unos encarnaban el lado pop de la vida y los otros el costado romántico y creíble del rock, es innegable que las dicotomías se tornan relativas cuando resulta que los platenses nunca tuvieron una obra que sonara tan rock como Canción animal (1990) y que el cuerpo de Cerati pagó mucho más al contado la experiencia excesiva de la pulsión dionisíaca que se le achaca al rock, si es que a todo lo vamos a medir por intensidades atadas a credibilidades vanas.

Gustavo Cerati, retratado para la tapa del Suplemento Si! en noviembre de 2002. Archivo Clarín.

“Quiero cortar con esa idea de que soy el tipo más cool del mundo”, le dijo Cerati a este cronista a fines de 2002, en una entrevista realizada para Clarín, con motivo de la presentación del disco Siempre es hoy. La nota fue en su casa de Colegiales, y no tuvo problemas en salir en la tapa del Suplemento Sí en una foto que lo mostraba con una boquera asomando sobre la comisura de los labios, barba de tres días y una de sus clásicas gorritas ocultando sus pecados capilares. No sería la primera vez, ni la última: hasta parecía disfrutar del contraste de su imagen más terrenal para con lo que mostraba arriba del escenario. En las entrevistas, Gustavo fumaba, hacía chistes, recomendaba bandas, se reía y jugaba al juego de la prensa como un delfín. Nunca un “esto no lo pongas”, siempre el muchacho de Villa Urquiza en modo On.Vozarrón, Savage, Stress, Soda Stereo. ¿Qué hay de cool en el bautizo de tres de las bandas que tuvo en su existencia el sodero de la vida de millones? Unos meses atrás, un especial televisivo de NatGeo dedicado a su vida pudo alumbrar, en el acceso al seno íntimo post-mortem, la condición tana y familiera de los Cerati, algo que en el imaginario rockero local sólo parecía ser sustentable y folclórico adosado a los Napolitano, o sea en el seno nuclear de Pappo en La Paternal. En pequeñas anécdotas y situaciones domésticas que nada tienen de impostado, donde participan desde las hermanas de Gustavo hasta sus hijos y sobrinos, se perciben las raíces de clase media de un artista que todavía hoy es tildado de “cheto”, pero que no supo ser otra cosa que un veinteañero de Urquiza que entonces citaba a su novia (Ana Saint Jean) en la hoy reivindicada pizzería La Mezzetta y le dedicaba cándidas canciones de amor con un dejo a Sui Generis. Y no, nunca fue Ceratti, como se escribió tantas veces su apellido hasta dejarlo como el de una probable heladería de Palermo.

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Todavía hoy en la Argentina las credenciales de clase, que nunca fueron problema en el resto del continente, siguen generando prejuicios. Muchos de ellos, por triplicado, intentan en vano corroer la intrépida juventud de Benito, su hijo mayor, uno de los mejores espadachines que ha conocido ese tumulto de pus que son las redes sociales. Sí, mucho más que un bravo pajarito.JB

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Horacio Lavandera: el Messi del piano

“Este es uno de los momentos más importantes de mi vida: mi segundo encuentro con la Orquesta Clásica Argentina, una formación que creamos con Osvaldo Cosentino y Gustavo Mule hace dos años y con la que hicimos todo el ciclo de los conciertos de Beethoven bajo mi dirección. Vamos a presentarnos en el Coliseo con un programa fabuloso, elegido según una encuesta que se le hizo a la gente. Poder estar en comunicación directa con el público es muy importante para mí”, cuenta de manera pausada Horacio Lavandera. Al músico, a quien algunos medios españoles consideran el “Messi del piano” (“es un orgullo”, dirá él) siempre le preocupó atraer público a la música clásica, en esta oportunidad organizó una encuesta dirigida a todos los melómanos que quisieran participar a través de mails y redes sociales, y les preguntó cuáles eran sus conciertos favoritos. Los elegidos fueron los conciertos 1 y 2, de Chopin, y los conciertos números 3 y 5, Emperador, de Beethoven, y se podrán escuchar el 23 y 24 de agosto, en el Teatro Coliseo.

Horacio Lavandera, en el barrio de Devoto donde vive seis meses al año. Los otros seis son en Europa. Foto: Andres D’Elia

Como si buscara el mismo grado de precisión que cuando toca, Lavandera se toma su tiempo para responder a cada una de las preguntas. Acompañado por su padre, llegó puntual a la entrevista en un bar de Devoto, lugar donde reside cada vez que vuelve a Buenos Aires y pasa prácticamente la mitad del año; la otra mitad vive en Europa. A los 35 años su mirada se volvió un poco más severa, aunque todavía conserva cierto aire aniñado. En los últimos años, además de seguir desarrollando una carrera internacional con el piano, Lavandera dirige y compone.

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-¿Hay una retroalimentación entre el director y el pianista?-Creo que, en la medida de lo posible, hay que tratar de defender la idea de unir la mayor cantidad de vertientes posibles. Como intérprete, si además sos compositor, llegás a otras situaciones.-¿Podrías dar un ejemplo de cómo se produce esa interacción?-Cuando estoy estudiando un concierto de Beethoven, también quiero componer uno al modo de Beethoven, investigo cómo le da un desarrollo, una elaboración, a los temas. Se trata de conjugar todos estos mundos. La dirección orquestal surgió naturalmente al investigar, sólo un poco, la base de lo que es el concierto para piano y orquesta, que comienza especialmente con Mozart. Él tuvo la necesidad de crearse un modo vida, con su propia orquesta, organizando sus conciertos y, de alguna manera, conviviendo con sus músicos. Mi necesidad es tener esa misma perspectiva. La considero muy enriquecedora y es un privilegio para mí poder llegar a este punto. Es un sueño que estoy viviendo.-Estudiás dirección con Jorge Rotter, ¿no?-Sí. Y también consulto a Alberto Posadas. Como estoy haciendo algunos ensayos de obras para orquesta, me encuentro con Gerardo Gardelín que tiene mucha experiencia en la escritura para orquesta.

En la plaza del barrio. El pianista Horacio Lavandera, en Villa Devoto. Foto: Andres D’Elia

-Cuando eras chico y te imaginabas la vida de un pianista, ¿se parece a quién sos hoy? Es muy difícil decirlo. No. Creo que las cosas se van dando todo de acuerdo a necesidades concretas y ahí vas tomando decisiones. Algunas cosas las podés planificar, otras simplemente surgen. La pasión te va guiando por distintos caminos y es lo que me llevó a conocer a Mauricio Pollini, Karlheinz Stockhausen, a Pierre Boulez, personas que admiro por su visión de la música.-¿Seguís profundizando el repertorio contemporáneo? ¡Por supuesto! Yo mismo soy compositor. Hago obras actualmente, así que soy compositor contemporáneo.-¿Vas a grabarlas?-No lo tengo estrictamente planeado. Quizás antes hay otro tipo de proyectos.-El año pasado tocaste por primera en el Carnegie Hall. ¿Cómo fue la experiencia?-Excelente. La acústica es sensacional y el piano también. Fue increíble. En Estados Unidos hay un ambiente muy espontáneo. En el concierto que di en Minnesota -mi idea es trazar una línea de unión entre Argentina y Estados Unidos– interpreté, además de la música de George Gershwin que me fascina, una de las marchas de John Philip Sousa con el arreglo de Vladimir Horowitz. La recepción fue fabulosa y me pasó algo que nunca me había sucedido: la gente empezó a aplaudir mientras tocaba, al ritmo de la marcha. Es emocionante la participación de un público tan espontáneo. Cuando terminé de tocar las mismas piezas en el Carnegie Hall, todo el público estaba de pie.-¿Y con el público argentino cómo te sentís?-El público argentino también tiene una conexión notable, especialmente con Piazzolla. Si me toca ir al interior, y toco alguna pieza de folclore, es igualmente notable. Es importante escuchar cómo el público puede informar sus emociones y no dejarlo como un actor pasivo que este simplemente recibiendo información. Hay que tratar de vincularlo.-¿Cómo explicarías una buena interpretación?-Algo que te conmueve y te moviliza a seguir investigando.

Horacio Lavandera encarará un repertorio basado en Beethoven y Chopin, junto a la Orquesta Clásica Argentina. Foto: Andres D’Elia

-¿Cambió mucho tu interpretación de Beethoven desde tus primeras grabaciones? ¿Tomaste otra perspectiva en la actualidad?-Creo que desde muy pequeño tuve la idea de cómo era la música de Beethoven, la transparencia con la que veo esa música. Fue un hallazgo inmenso encontrar el libro de Carl Czerny, lo considero el gran libro sobre Beethoven, donde está explicada cada sonata con sus emociones.-Pero tu mundo emocional es más complejo ahora como adulto que cuando eras niño, y tal vez algo cambió en tu manera de entender la música de Beethoven.-Es curiosa la pregunta. Sí, pero la música te traslada a ciertas emociones, es correcto lo que decís, pero las supera en otro estadio. Hay una concepción religiosa, para mí muy cristiana, en la música de Beethoven.-¿Sos religioso?-A la hora de componer, como decía Stravinski, tengo que ser el más devoto. A la hora de interpretar, por ejemplo, en el segundo movimiento Concierto 3 y 5 de Beethoven está muy presente la religión católica. Inclusive Cznery, para estos dos segundos movimientos, habla de la pureza de lo sagrado y de lo religioso.-Pasemos a cosas más pedestres. ¿Cómo es tu cotidianidad?-Estudiar, estudiar y estudiar. Todo el día sobre el piano. ¿Qué disfrutás del mundo cotidiano fuera de la música? ¿Vas al cine, mirás televisión, hacés deportes?-Todo, poco. En la medida justa. A mí me gusta más el teatro que el cine. Con respecto al deporte, trato de cuidarme las manos.-¿Viajás solo o acompañado?-Suelo viajar con mis padres o con mi novia.

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-En esas largas horas de viaje, ¿llevás música para escuchar?-Es difícil la pregunta. Hay música para todos los momentos de la vida. También elijo no escuchar nada. Como soy compositor, hago muchos apuntes permanentemente de distintas estructuras que quiero ir trabajando. Muchas de mis piezas surgen en esos momentos en que no estoy con el piano.-Ahora hubo una reunión cumbre en Buenos Aires con la presencia de Martha Argerich, Daniel Barenboim y Zubin Mehta. ¿Fuiste a escucharlos?-Bueno, los escucho siempre. En este momento estuve con muchas actividades, así que no tuve la oportunidad de ir.

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-Si hoy viniera el pequeño Horacio que empezó hace muchos años en esta carrera y te pidiera consejos, ¿qué le dirías?-Que siempre siga su camino.Su versión de “Tan solo”, de Los Piojos, en YouTubeUnos días después de la entrevista (el 7 de agosto) apareció un material inédito en YouTube: una versión de Tan Solo, de Los Piojos, interpretada por él mismo.

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En algún punto, no debería llamar la atención porque más de una vez Lavandera hizo referencia a su preocupación por conectar distintos universos musicales: “todos los que se dedican a las artes tiene la responsabilidad de llegar al grueso de la población. También debe haber una interacción enorme entre las artes populares y las artes que uno puede decir que tiene un nivel de elaboración más grande.”Su comentario en la red, al subir el video, fue la siguiente: “Hola amig@s! Esta es una versión de Tan Solo de Los Piojos para piano solo. En mi opinión una de las mejores canciones argentinas de todos los tiempos. Las emociones que me despierta son infinitas”.Dónde y cuándo escuchar Beethoven y ChopinHoracio Lavandera, en piano y dirección, se presentará junto a la Orquesta Clásica Argentina el viernes 23 y el sábado 24 de agosto a las 20.30, en el Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125). En la primera fecha, el programa será el Concierto para piano y orquesta nº 3 en do menor, opus 37, de Beethoven; y el Concierto para piano y orquesta nº 1 en mi menor, opus 11 (Chopin). En la segunda, hará el Concierto para piano y orquesta nº 5 en Mi bemol mayor, opus 73, de Beethoven; y el Concierto para piano y orquesta nº 2 en fa menor, opus 21, de Chopin.WD

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Charly García en el Luna Park: cuándo y a qué hora toca

Siete años pasaron desde la última vez que Charly García tocó en el Luna Park. El jueves pasado el artista enloqueció a sus fanáticos al anunciar su regreso.Hace quince días, el productor cordobés José Palazzo escribió en su cuenta de Twitter: “Anoche visité a Charly García. Me dijo que quiere tocar en el Luna Park. Y que tiene ideas”. Finalmente para la alegría de todos los seguidores del músico este deseo se hizo realidad. 

Charly García con su show Torre de tesla.
fotos martin bonetto.

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En los últimos dos años, Charly comunicó sus shows con apenas uno o dos días de anticipación, pero en esta oportunidad, por ser un estadio con capacidad para nueve mil personas aproximadamente, lanzó la venta de tickets una semana antes, el 1 de agosto a las 10.Los fanáticos acamparon un día antes para poder estar presente junto a la leyenda del rock nacional y agotaron las localidades en tan sólo tres horas. Se vendían por orden de llegada con un máximo de cuatro por persona. Los precios iban desde $1200 hasta $2650. También se vendían a través del sitio Ticket Portal, con un costo adicional.

Venta de entradas para recital de Charly García en el Luna Park. Foto: Luciano Thieberger.

El ex Sui Generis presentará La Torre de Tesla en el estadio ubicado en la esquina de avenida Corrientes y avenida Bouchard este miércoles 7 a las 20.30. En el espectáculo repasará Random, su último disco editado en 2017, y un repertorio cargado de sus grandes clásicos. El artista hechiza a la audiencia con sus maravillosas melodías como Instituciones, No soy un extraño, La máquina de ser feliz, King Kong, Believe o Rezo por vos.Lo acompañarán  los músicos que están presentes en todos sus recitales: Kiuge Hayashida, en la guitarra, Carlos González, en bajo, Toño Silva, en batería, Fabián “El Zorrito” Quintiero, en teclados, y Rosario Ortega, en coros.

Charly García en presentó su show Torre de Tesla en el Gran rex. Constanza Niscovolos

En el 2018, Charly realizó cinco conciertos en el Teatro Gran Rex y uno en el Teatro Coliseo, siempre con la dinámica de anunciar sus shows con 48 horas de anticipación o menos. Al ser lugares con capacidad no mayor a 3.300 espectadores, las entradas se agotaron rápidamente.En enero de este año, García llevó Torre de Tesla a Punta Ballena, Uruguay, en un show que anunció pocas horas antes de subir al escenario. Allí se presentó con Juanse como invitado, en el marco del conocido Festival Medio y Medio.WD

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Charly García con su show Torre de tesla.
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Venta de entradas para recital de Charly García en el Luna Park. Foto: Luciano Thieberger.

El ex Sui Generis presentará La Torre de Tesla en el estadio ubicado en la esquina de avenida Corrientes y avenida Bouchard este miércoles 7 a las 20.30. En el espectáculo repasará Random, su último disco editado en 2017, y un repertorio cargado de sus grandes clásicos. El artista hechiza a la audiencia con sus maravillosas melodías como Instituciones, No soy un extraño, La máquina de ser feliz, King Kong, Believe o Rezo por vos.Lo acompañarán  los músicos que están presentes en todos sus recitales: Kiuge Hayashida, en la guitarra, Carlos González, en bajo, Toño Silva, en batería, Fabián “El Zorrito” Quintiero, en teclados, y Rosario Ortega, en coros.

Charly García en presentó su show Torre de Tesla en el Gran rex. Constanza Niscovolos

En el 2018, Charly realizó cinco conciertos en el Teatro Gran Rex y uno en el Teatro Coliseo, siempre con la dinámica de anunciar sus shows con 48 horas de anticipación o menos. Al ser lugares con capacidad no mayor a 3.300 espectadores, las entradas se agotaron rápidamente.En enero de este año, García llevó Torre de Tesla a Punta Ballena, Uruguay, en un show que anunció pocas horas antes de subir al escenario. Allí se presentó con Juanse como invitado, en el marco del conocido Festival Medio y Medio.WD

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